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^{Brown Hooded Kingfisher, (Halcyon albiventris), Chitengo Camp, Gorongosa National Park, Mozambique, 2011. Por Joel Sartore}

Cuando elegimos abordar el tema del paisaje y, poco tiempo después, caímos en cuenta de su relación con el tema de la Bienal FotoFest 2016, Changing Circumstances: Looking at the Future of the Planet, nos pareció oportuno hacer eco de las inquietudes expresadas durante dicho festival. Algunos trabajos presentados en este número recuperan en formato electrónico y para nuestro público algunas de sus exposiciones. Sin embargo, esta observación sería insuficiente si no enfatizáramos algunas de las reflexiones que se incluyen en el libro del mismo nombre y no hiciéramos la invitación a asomarse a sus páginas.

Concebido en colaboración entre Wendy Watriss y Frederick Baldwin, fundadores de FotoFest, junto a Steven Evans, Director Ejecutivo del festival, integra un mosaico muy diverso y amplio de artistas. En su texto introductorio, Steven Evans enfatiza la necesidad de promover el intercambio de ideas entre artistas que hacen uso de diferentes estrategias para abordar el tema, y a la divergencia de miradas contrapone el hilo conductor de los ensayos de Thomas E. Lovejoy y Geof Rayner que muestran una conexión intrínseca entre las preocupaciones de los artistas. Ambos ensayos ofrecen sólidos argumentos sobre la necesidad urgente de tomar medidas respecto al cambio climático; el primero, desde la perspectiva de la Tierra como un organismo viviente, y el segundo al demostrar el papel determinante del ser humano en su entorno.

^{Bird’s Nest, 2011. Por Mandy Barker}

Por su parte, Wendy Watriss da voz a algunas preguntas que resuenan con preocupaciones encontradas durante nuestra investigación sobre el tema del paisaje: “¿Tenemos una responsabilidad, más allá de nuestro bienestar, con el resto del mundo natural? ¿El arte puede estimular nuevas perspectivas y nuevas maneras de ver?” La fotografía tiene en sus manos el potencial de compartirnos realidades que de otro modo nos serían inaccesibles. Las imágenes no son neutras, alimentan el imaginario y propician reflexiones, siendo un medio muy eficaz para hacer palpable, próxima y visible cualquier problemática, incluso hasta llevarla a la esfera política e impulsar acuerdos. Coincidimos con su postura de que el arte sí puede estimular y expandir nuestra visión del mundo y presentar maneras innovadoras de abordar el tema del cambio climático. No se deben permitir visiones sesgadas que sólo abordan y hablan desde una área del conocimiento o una región del mundo. Hay que abrirse a las culturas, incluir puntos de vista divergentes, dibujar nuevos y distintos confines, crear mapas inéditos, poner el mundo de cabeza, revolverlo y dividirlo de variadas maneras. Esa es la única manera de visualizar un futuro donde en vez de dominar a la naturaleza, colaboremos por su supervivencia y la nuestra. Y esta nueva manera de mirar, estos nuevos caminos hacia nuestro futuro, son lo que el arte puede expresar de mejor manera.

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Concebido en colaboración entre Wendy Watriss y Frederick Baldwin, fundadores de FotoFest, junto a Steven Evans, Director Ejecutivo del festival, integra un mosaico muy diverso y amplio de artistas. En su texto introductorio, Steven Evans enfatiza la necesidad de promover el intercambio de ideas entre artistas que hacen uso de diferentes estrategias para abordar el tema, y a la divergencia de miradas contrapone el hilo conductor de los ensayos de Thomas E. Lovejoy y Geof Rayner que muestran una conexión intrínseca entre las preocupaciones de los artistas. Ambos ensayos ofrecen sólidos argumentos sobre la necesidad urgente de tomar medidas respecto al cambio climático; el primero, desde la perspectiva de la Tierra como un organismo viviente, y el segundo al demostrar el papel determinante del ser humano en su entorno.

^{Bird’s Nest, 2011. Por Mandy Barker}

Por su parte, Wendy Watriss da voz a algunas preguntas que resuenan con preocupaciones encontradas durante nuestra investigación sobre el tema del paisaje: “¿Tenemos una responsabilidad, más allá de nuestro bienestar, con el resto del mundo natural? ¿El arte puede estimular nuevas perspectivas y nuevas maneras de ver?” La fotografía tiene en sus manos el potencial de compartirnos realidades que de otro modo nos serían inaccesibles. Las imágenes no son neutras, alimentan el imaginario y propician reflexiones, siendo un medio muy eficaz para hacer palpable, próxima y visible cualquier problemática, incluso hasta llevarla a la esfera política e impulsar acuerdos. Coincidimos con su postura de que el arte sí puede estimular y expandir nuestra visión del mundo y presentar maneras innovadoras de abordar el tema del cambio climático. No se deben permitir visiones sesgadas que sólo abordan y hablan desde una área del conocimiento o una región del mundo. Hay que abrirse a las culturas, incluir puntos de vista divergentes, dibujar nuevos y distintos confines, crear mapas inéditos, poner el mundo de cabeza, revolverlo y dividirlo de variadas maneras. Esa es la única manera de visualizar un futuro donde en vez de dominar a la naturaleza, colaboremos por su supervivencia y la nuestra. Y esta nueva manera de mirar, estos nuevos caminos hacia nuestro futuro, son lo que el arte puede expresar de mejor manera.

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Flux Machine (La máquina de flujo) es una propuesta de Kevin Weir que gira sobre dos líneas íntimamente ligadas al tema de la temporalidad: al usar el recurso del GIF animado dota a imágenes estáticas de movimiento perpetuo y cíclico, y al integrar elementos narrativos en fotografías de archivo reinterpreta su significado. Las microficciones resultantes ofrecen lecturas a diferentes niveles que cuestionan nuestra interpretación habitual del material de archivo y nos conducen por numerosas encrucijadas entre el instante histórico y la acción imaginada.

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A través de un viaje por su memoria, sus pertenencias, sus recuerdos, Eduardo Muñoz Ordoqui construye mundos y escenarios ubicados en espacio-tiempos indefinidos. Concentrado en la fusión de ubicaciones y ocasiones, compone, en sus series Marea Baja, Mundos portátiles y Sin Reposo, fotografías que involucran tanto imágenes proyectadas, como objetos y reflejos de los mismos. Superpone lo tangible y lo material para crear el viaje visual que evocan los sentimientos de desplazamiento, migración e incertidumbre. Las imágenes narran la búsqueda de sentido entre los lugares y los recuerdos.

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Esto es una colección de historias personales contadas en una sola toma. Cada historia es una exploración de la esencia universal de la condición humana y de nuestras conexiones el uno con el otro, que se extienden más allá de las fronteras.

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Eric Kim, "Debunking the “Myth of the Decisive Moment”", Eric Kim - Blog de Fotografía de calle, mayo 23, 2014

Hoja de contacto de Henri Cartier-Bresson en Sevilla, España, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos

Cuando comencé con la fotografía de calle (street photography), creía en el "mito del momento decisivo". ¿A qué me refiero con eso?

Bien, cuando escuché por primera vez sobre "El momento decisivo" de Henri Cartier Bresson, supuse que él sólo tomaba una imagen en cada escena. Imaginaba a Henri Cartier Bresson de un lado a otro de la calle, apuntando con cuidado su Leica y haciendo una sola toma para crear piezas maestras. Pensé que era un semidiós –un fotógrafo que de algún modo poseía esta magia tras sus lentes.

Sin embargo, si miramos sus hojas de contacto, es una historia distinta. Él (y casi todos los grandes fotógrafos) nunca hacen una sola toma de una escena con potencial. Entre las hoja de contacto de Henri Cartier Bresson puedes ver que casi todas sus grandes imágenes le exigieron "trabajar la escena" –tomar múltiples fotos de la misma desde distintos ángulos, momentos y perspectivas. Se esforzó por conseguir las tomas que quería –e invertiría bastante tiempo con sus hojas de contacto para decidir cuáles fotos eran sus "mejores".

Detalle de las hojas de contacto de Sevilla, por Henri Cartier-Bresson:

Un error que muchos fotógrafos de calle principiantes cometen es sólo tomar una foto por escena. Pienso que esto se debe a que también creen en el "mito del momento decisivo" y en parte porque temen ser descubiertos tomando fotos.

La importancia de estudiar las hojas de contacto

Henri Cartier-Bresson revisa sus hojas de contacto en la oficina de Nueva York de Magnum. 1959. © Rene Burri / Magnum Photos

He escrito sobre las hojas de contacto en muchas ocasiones previas. Para quienes no están familiarizados con lo que es una hoja de contactos, en resumen es una hoja de papel donde están impresas todas las imágenes que un fotógrafo tomó con un rollo de película. Y con esta hoja, un fotógrafo puede revisar con lupa y editar sus imágenes favoritas. Esto se hacía en la época del cuarto obscuro, antes de que existieran opciones digitales.

Ahora tenemos "Lightroom" en el cual podemos identificar digitalmente todas nuestras fotos de una escena. En vez de tener que mirar a pequeñas miniaturas, podemos ver nuestras "casi" fotos a resolución completa.

Las hojas de contacto son las mejores herramientas de aprendizaje de un fotógrafo. Puedes aprender de las hojas de contacto de otros fotógrafos, y también de las propias.

Henri Cartier-Bresson. Valencia, ESPAÑA, 1933. Observa las dos versiones de la foto que estaba considerando. Ésta era la mejor.

Henri Cartier-Bresson. Valencia, ESPAÑA, 1933. Ésta no era tan fuerte como la anterior.

Analizar las hojas de contacto de los maestros que nos precedieron es lo más cerca que tenemos a leer su mente. Podemos ver como "trabajaban la escena" –y cómo tomaban fotos desde distintas perspectivas, decidían cuando apretar el obturador y cuántas fotos tomar. Algunos fotógrafos logran atrapar sus imágenes en sólo 5 o 6 tomas, mientras que otros se terminan un rollo completo de 36 imágenes en una escena.

Date cuenta que todos ellos hacían sus tomas en película, cuando cada imagen tenía un costo. Ahora que la mayoría tomamos fotos digitales, no hay excusa para no "trabajar la escena" y tomar muchas imágenes distintas de la misma escena.

Para aprender más sobre las hojas de contacto, puedes revisar mi artículo: “10 cosas que los fotógrafos de calle pueden aprender de las hojas de contacto de Magnum” and also pick up a copy of “Hojas de contacto de Magnum” en Amazon. Serán los 100 dólares mejor invertidos en tu educación fotográfica.

Cómo "trabajar la escena"

Y bien, hablamos de la importancia de "trabajar la escena" –y que tan importante es hacer muchas tomas de la misma escena (no sólo una). Pero, ¿qué significa "trabajar la escena"?

Algunos puntos a tomar en cuenta:

1. No tomes sólo una foto

Hoja de contacto de Elliott Erwitt, “Bulldogs”, New York, 2000. © Elliott Erwitt / Magnum Photos

De nuevo, es muy tentador sólo tomar una foto cuando ves una buena escena. Cuando comencé con la fotografía de calle, me moría del miedo de ofender a las personas o que me "atraparan" fotografiando a desconocidos.

Sin embargo, date cuenta que para hacer una gran foto, necesitas trabajar la escena. Nunca sabrás cuando el "mejor" momento decisivo ocurrirá. En una escena, suceden muchos "momentos decisivos" con gran potencial. Sólo sabrás cuál es el mejor "momento decisivo" después, durante la etapa de edición.

“Bulldogs”, New York, 2000. © Elliott Erwitt / Magnum Photos

Incluso Henri Cartier Bresson alguna vez dijo: “A veces debes ordeñar mucho a la vaca para obtener un poco de queso.”

2. No le hagas al chango

Alain Capeilleres, 1976. © Martine Franck / Magnum Photos.

Otro consejo práctico para "trabajar la escena" mejor es no "hacerle al chango". ¿Qué significa esto? Se refiere a la práctica de revisar la pantalla LCD después de tomar una imagen. ¿Por qué le llaman "hacerle al chango"? Parece ser que los fotógrafos de película se burlaban de los digitales diciendo que parecían un montón de changos cuando se juntaban alrededor de sus pantallas LCD para mostrarse las imagenes que recién habían tomado.

Foto de Martine Franck, región Provence-Alpes-Côte d’Azur. Pueblo de Le Brusc. Alberca diseñada por Alain Capeilleres, 1976. © Martine Franck / Magnum Photos

¿Pero por qué está mal "hacerle al chango"? He escrito un artículo de por qué los fotógrafos de calle no deberían hacerlo pero, para resumir, hacerle al chango rompe tu ritmo cuando estás tomando fotos en la calle. En vez de ver tu pantalla varias veces mientras trabajas la escena para revisar la exposición, encuadre y lo que capturaste, es mejor seguir tomando muchas fotos desde distintos ángulos y momentos y escoger las mejores después.

3. Toma tu tiempo

Hoja de contacto de Richard Kalvar, “Piazza Della Rotonda”. Rome, Italy, 1980. © Richard Kalvar / Magnum Photos

“Tomar tu tiempo” es una de las cosas más complicadas de "trabajar la escena". Tomar tu tiempo es quedarte aún "cuando ya no eres bienvenido". Generalmente es una grosería tomar tu tiempo. Es como andar de vago –te quedas en un lugar más de lo que deberías y la gente empieza a mirarte.

Una de las preguntas más frecuentes que hacen en mis talleres es: "¿cuánto tiempo debería tomarme para "trabajar la escena" antes de saber que es momento de irme o ya hice la toma?"

Ese es el mayor problema. Nunca tenemos idea cuándo "hicimos la toma" o ya estuvimos "el tiempo suficiente".

En lo personal, mi filosofía es la de ser el visitante que se queda aún cuando ya no es bienvenido. ¿Alguna vez un amigo te ha pedido quedarse por una semana y terminó quedándose meses? Conviértete en ese tipo.

“Piazza Della Rotonda”. Roma, Italia, 1980. © Richard Kalvar / Magnum Photos

La razón por la que predico el "quédate aún cuando ya no seas bienvenido" es por qué es mejor tomar tu tiempo durante un largo rato, pues muchas veces tu mejor toma será la última. Al mirar muchas hojas de contacto, en especial esta imagen de Richard Kalvar, puedes ver que su mejor imagen está al final (en el cuadro 37, por suerte). Si no se hubiera tomado su tiempo y trabajado la escena, nunca habría logrado esta imagen icónica.

Con mayor razón en la fotografía de calle, sólo verás una escena con gran potencial una vez en la vida. Podrás encontrar otras similares, pero nunca justo la misma con justo esas mismas personas, con ese fondo, esa luz y esa distribución.

Así que no vivas arrepentido, quédate más tiempo del que deberías y excédete en tomas de cada escena.

Una técnica que aprendí de mi amigo Charlie Kirk es que si ves una escena con mucho potencial, quédate por ahí y espera un poco más antes de empezar a tomar fotos. Por ejemplo, si ves a un tipo interesante fumando, quédate cerca y espera a que fume, luego lánzate a tomar unas cuantas fotos mientras inhala su cigarro.

Lingering is quite painful to do. It is awkward, makes you feel uncomfortable, and might make your subject feel uncomfortable.

Un modo de superar la incomodidad de tomarse tanto tiempo y "trabajar la escena" es hacer como que estoy tomando algo detrás de ellos y evitar el contacto visual.. Como fotografío con lente 35mm no tengo que apuntar mi cámara directo a mi sujeto para sacarlo en cuadro.

Otra técnica es sonreír e interactuar con mi sujeto mientras les tomo fotos. Por ejemplo, si veo una buena escena, puedo empezar por hacer unas tomas como casuales y entonces, si mi sujeto hace contacto visual, correspondo el contacto visual, sonrío, sigo tomando fotos e incluso comienzo a conversar (ey, te ves bien).

4. Mira los gestos

Hoja de contacto del Che. © Rene Burri / Magnum Photos

Cuando estés "trabajando la escena" no sólo pongas tu cámara en ráfaga y comiences a tomar sin sentido. En vez de eso, ten muy claro cuándo decides apretar el obturador.

Che Guevara. © Rene Burri / Magnum Photos

Por lo general, decido apretar el obturador cuando veo gesto con las manos. Pueden ser los de alguien cubriéndose el rostro, poniendo las manos a los lados o apuntando en alguna dirección.

Otro gran consejo es esperar el contacto visual. Haz la prueba de tomar fotos sin contacto visual y otras con contacto visual. Nunca sabes cuales fotos serán mejores, pero hay un dicho: "los ojos son las ventanas del alma" –que en el caso de la fotografía de calle puede hacerlas más íntimas y emotivas.

5. Mantén tus pies en movimiento

 

Si has visto a un boxeador, rara vez sus pies permanecen quietos. Lo más importante como boxeador es nunca poner tus talones sobre el piso. En el momento que te detienes, te vuelves un blanco fácil –y serás un objetivo listo para ser noqueado por su oponente.

Adopta esa misma mentalidad como fotógrafo de calle. Cuando trabajes la escena, no te quedes plantado en el piso. Mantén tus pies en movimiento. Toma fotos desde la izquierda, derecha, un paso al frente, un paso atrás. Agáchate. Intenta diversos ángulos y perspectivas.

6. Toma fotos horizontales y verticales

Contac sheet, VJ Day. Photo by Alfred Eisenstaedt

También mientras trabajas la escena, intenta experimentar ambos formatos, horizontal y vertical. Al calor del momento, cuando encuentras una gran escena callejera, muchas veces es difícil decidir cuál es el mejor formato.

Si tienes tiempo, prueba ambos formatos, dependiendo del tipo de imagen que desees crear.

7. Ten calma y sé paciente

Jean Gaumy, Iran, 1986.

Cuando trabajas una escena, recuerda mantener la calma y paciencia. En situaciones así, es común acelerarse y tratar de lograr "la toma". Sin embargo, ten calma y sé paciente mientras haces tomas –analiza cuando apretar el obturador, que tan cerca debes estar de tu sujeto para hacer un buen encuadre y mantén la atención en elementos del fondo que te puedan distraer.

Jean Gaumy, Iran, 1986.

Cuando uno, como principiante, empieza a trabajar la escena, es común tener un golpe de adrenalina demasiado intenso para permanecer calmado y ser paciente. Pero ten en cuenta que con la práctica podrás mantenerte más calmado y ser más paciente –lo cual te ayudará a tomar decisiones más racionales mientras fotografías, y eso te ayudará al final a hacer mejores imágenes.

8. Pon atención en el fondo

Hoja de contacto de Martin Parr para “The Last Resort“

Cuando estamos fotografiando en las calles, es usual que pongamos demasiada atención en el sujeto y no suficiente en el fondo.

Mi consejo es que, una vez que tienes claro quién es tu sujeto principal (o sujetos), enfoques tu mirada sobre el fondo. Procura obtener un fondo limpio que no distraiga –y añada algo a la escena.

The Last Resort, Foto por Martin Parr

Evita sacar cabezas, postes, árboles o carros en tus fondos de manera azarosa. Cuando trabajas la escena, camina hasta obtener un fondo más limpio. Los fondos descuidados son los peores enemigos de fotografías de calle con gran potencial.

Conclusión

Hoja de contacto de Martin Parr, España, 1997.

Para incrementar tus oportunidades de obtener "buenas imágenes" de fotografía de calle, practica "trabajar la escena" y tomar más tiempo del necesario. No mantengas tus pies quietos, siempre muévete, pero al mismo tiempo sé paciente.

Foto de Martin Parr del libro “Common Sense”. España, 1997

También debes saber que trabajar la escena más de lo necesario será raro e incómodo, pero con tiempo, paciencia, práctica y una sonrisa, superarás esto.

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_{INFORMACIÓN LEGAL: TODAS LAS FOTOGRAFÍAS SE PRESENTAN SIN INTENCIÓN DE LUCRO Y CON FINES DE CRÍTICA Y/O INVESTIGACIÓN CIENTÍFICA, LITERARIA Y/O ARTÍSTICA BAJO LO PREVISTO EN LA LEGISLACIÓN VIGENTE POR CONDUCTO DE LOS TRATADOS INTERNACIONALES EN MATERIA DE DERECHOS DE AUTOR.}

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Y bien, hablamos de la importancia de "trabajar la escena" –y que tan importante es hacer muchas tomas de la misma escena (no sólo una). Pero, ¿qué significa "trabajar la escena"?

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Así que no vivas arrepentido, quédate más tiempo del que deberías y excédete en tomas de cada escena.

Una técnica que aprendí de mi amigo Charlie Kirk es que si ves una escena con mucho potencial, quédate por ahí y espera un poco más antes de empezar a tomar fotos. Por ejemplo, si ves a un tipo interesante fumando, quédate cerca y espera a que fume, luego lánzate a tomar unas cuantas fotos mientras inhala su cigarro.

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Por lo general, decido apretar el obturador cuando veo gesto con las manos. Pueden ser los de alguien cubriéndose el rostro, poniendo las manos a los lados o apuntando en alguna dirección.

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Adopta esa misma mentalidad como fotógrafo de calle. Cuando trabajes la escena, no te quedes plantado en el piso. Mantén tus pies en movimiento. Toma fotos desde la izquierda, derecha, un paso al frente, un paso atrás. Agáchate. Intenta diversos ángulos y perspectivas.

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Jean Gaumy, Iran, 1986.

Cuando trabajas una escena, recuerda mantener la calma y paciencia. En situaciones así, es común acelerarse y tratar de lograr "la toma". Sin embargo, ten calma y sé paciente mientras haces tomas –analiza cuando apretar el obturador, que tan cerca debes estar de tu sujeto para hacer un buen encuadre y mantén la atención en elementos del fondo que te puedan distraer.

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Eric Kim, "Debunking the “Myth of the Decisive Moment”", Eric Kim Street Photography Blog , May 23, 2014

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Clement Valla, "La textura universal.", Rhizome, 2012.

Imágenes via Clement Valla.

Estos artistas (...) enfrentan a la base de datos, entendida como una estructura de poder deshumanizado, con la recopilación como una forma de memoria idiosincrática, no sistemática, y humana. Recogen lo que les interesa, lo que sienten que puede y debe ser incluido en un sistema de significados. Describen, critican y finalmente desafían la dinámica de la base de datos, obligándola a evolucionar.¹

Recopilo imágenes de Google Earth. Descubrí por accidente estas particularmente extrañas instantáneas, donde la ilusión de una representación perfecta y precisa de la superficie de la Tierra parece desmoronarse. Estaba Google Earth-eando cuando me di cuenta de que un número sorprendente de edificios parecían de cabeza. Podía distinguir que aquí estaban en conflicto dos referentes visuales -el modelo en 3D que formaba la superficie de la tierra y el mapa de fotografías aéreas: no coincidían. Los datos de profundidad en las fotografías aéreas, como sombras y luces, no se alineaban con las del modelo 3D.

Me había dado cuenta que los referentes visuales en conflicto provocaban algunas imágenes excepcionales, y empecé a encontrar más y a recopilarlas. Al principio pensé que eran fallas técnicas o errores en el algoritmo, pero al analizarlas me di cuenta de que la situación era en realidad más interesante: estas imágenes no son fallas técnicas. Son el resultado lógico absoluto del sistema. Son una condición limítrofe -una anomalía dentro del sistema, un no estándar, un caso atípico, incluso, pero no un error. Estos momentos discordantes exponen cómo funciona Google Earth y centran nuestra atención en el software. Son costuras que revelan un nuevo modelo de ver y de representar nuestro mundo como datos dinámicos, en incesante transformación, tomados desde una gran variedad de fuentes diversas combinados de manera infinita, actualizados constantemente, dando origen a una ilusión perfecta.

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Contact sheet from Henri Cartier-Bresson in Seville, Spain, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos-->

Imágenes en 3D como las de Google Earth, se generan a través de un proceso llamado mapeo de texturas. El mapeo de textura es una tecnología desarrollada por Ed Catmull en la década de 1970. En el modelado 3D, un mapa de textura es una imagen plana que cubre la superficie de un modelo 3D como una etiqueta a una lata o un refresco. Las texturas suelen representar una extensión plana con muy poca profundidad de campo, con la intención de simular las propiedades superficiales de un objeto. Las texturas son más como un escaneo que una fotografía. La superficie representada en una textura coincide con el plano superficial de la imagen, a diferencia de una fotografía que representa un espacio más allá. Esta diferencia podría resumirse de otra manera: vemos a través de una fotografía, nos fijamos en una textura. Esta es una distinción importante en el modelado en 3D, ya que las texturas se estiran a través de la superficie de un modelo 3D, en esencia, convirtiéndose en la piel del modelo.

Las texturas de Google Earth, sin embargo, no carecen de profundidad ni son planas. Son fotografías a través de las que miramos un espacio representado más allá -un espacio que nuestro cerebro interpreta como poseedor de tres dimensiones y profundidad. Vemos el espacio tridimensional en las fotografías aéreas debido a la luz y las sombras, y también porque hemos experimentado previamente ese espacio. Cuando estas fotografías se distorsionan y extienden por la topografía 3D de la Tierra, miramos tanto la imagen distorsionada del plano, como a través de esa misma imagen el espacio representado en la textura. En otras palabras, estamos ante dos espacios al mismo tiempo. La mayoría de las veces esta duplicación de espacios en Google Earth pasa inadvertida, pero a veces los dos espacios son tan diferentes que las cosas se ven extrañas, vertiginosas o por completo erróneas. Pero no están mal. Revelan el sistema de Google utilizado para asignar la tierra: la Textura Universal.

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Contact sheet from Henri Cartier-Bresson in Seville, Spain, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos-->

La Textura Universal es una patente de Google para mapeo de texturas sobre un modelo 3D de todo el mundo.² En esencia, la Textura Universal es sólo una forma óptima para generar un mapa de textura de la tierra. Como su nombre lo indica, la Textura Universal promete una navegación ininterrumpida de nuestro planeta, similar a un Dios (o un dron) -no una serie de mapas en mosaico, sino una experiencia fluida y dinámica. Esta experiencia es tan diferente, tanto más fluida que las tecnologías anteriores, que es un logro similar al de la escalera mecánica respecto a las compras:

Ningún invento ha tenido la importancia y la repercusión en las compras como las escaleras mecánicas. A diferencia del ascensor, limitado en cuanto al número de personas que puede transportar entre diferentes pisos y que por su propio mecanismo insiste en la división, la escalera mecánica acomoda y combina cualquier flujo, crea eficientemente transiciones fluidas entre un nivel y otro, e incluso desdibuja la distinción entre niveles separados y los espacios individuales.³

En el mundo de los medios digitales, esta continuidad fluída es análoga al efecto del desplazamiento infinito en Tumblr. En Google Earth, la Textura Universal proporciona un conocimiento uniforme, completo, y fácilmente accesible de la superficie del planeta. La Textura Universal es capaz de tomar un collage de fotos gigante compuesto por imágenes aéreas de todo tipo de fuentes diversas -diferentes empresas, gobiernos, institutos cartográficos- y asignarla a un modelo tridimensional integrado por fuentes igual de diversas. Combina estos datos dispares en un espacio continuo -como la escalera mecánica integra pisos en un centro comercial.

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Contact sheet from Henri Cartier-Bresson in Seville, Spain, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos-->

Nuestros procesos mecánicos para la creación de imágenes nos han habituado a pensar en términos de instantáneas -pequeños segmentos de tiempo y espacio (no importa cuanto se aproximen esos segmentos, seguimos contando fotogramas por segundo y proporción de imagen). Sin embargo, Google está pensando en la continuidad. Las imágenes producidas por Google Earth son muy diferentes a una fotografía que tiene una relación indicial de un espacio determinado en un momento dado. Más bien, son imágenes híbridas, un mosaico de datos fotográficos de dos dimensiones y datos topográficos tridimensionales obtenidos de una serie de fuentes, cuyos datos se extraen, son pre-procesados, mezclados y fusionados en tiempo real. Google Earth es esencialmente una base de datos disfrazado de representación fotográfica.

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Contact sheet from Henri Cartier-Bresson in Seville, Spain, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos-->

Es una representación automatizada, estadística, incesante y universal que elige de modo selectivo sus datos (por ejemplo, no hay "noche" en la versión Google de la Tierra). El sistema edita una representación particular del mundo. El software edita, re-ensambla, procesa y empaqueta la realidad con el fin de formar un modelo muy específico y útil. Estas imágenes recopiladas se sienten extrañas, porque son claramente una representación incorrecta de la superficie de la tierra. Y es precisamente porque los seres humanos no crearon directamente estas imágenes que son tan fascinantes. Son creados por un algoritmo que no encuentra nada malo en estos acontecimientos. Son menos una creación, que un hecho de algún tipo -una representación de las leyes de la Textura Universal. Como recopilación las anomalías son una peculiar historia natural del software Google Earth. Son extrañas nuevas tipologías, representativas de un proceso digital en particular. Típicamente, la ilusión que la Textura Universal provoca es, que el proceso en sí pase inadvertido, pero estas anomalías ofrecen una visión de la recopilación e integración de datos. Ponen en evidencia la diversidad de fuentes de datos. En estas anomalías comprendemos que hay insumos que compiten, fuentes de datos que compiten, y discrepancia en los datos. El mundo no es tan fluido después de todo.

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Contact sheet from Henri Cartier-Bresson in Seville, Spain, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos-->

Al hacer capturas de pantalla de estas imágenes en Google Earth, estoy pausándolas y las saco del ciclo de actualización. Capturo estas imágenes para archivarlas -para asegurar que se mantenga un registro de que esta imagen fue producida por la Textura Universal en un momento y lugar determinados. A medida que seguí buscando más anomalías, y volví a asomarme a las que ya había descubierto, me di cuenta que las imágenes que había descubierto iban desapareciendo. Las fotografías aéreas se estaban actualizando, se volvían 'más planas' -por haber sido tomadas en un ángulo menor o por tener las sombras debajo de los puentes disimuladas. Debido a que Google Earth actualiza sus algoritmos y datos tridimensionales de manera constante, cada momento específico sólo podía ser capturado como una imagen fija. Sé que Google está tratando de solucionar algunas de estas anomalías también -me ha contactado un ingeniero de Google que encontró una solución inteligente para el problema de la caída de carreteras y puentes. Aunque el cambio todavía no ha aparecido en el software, es sólo una cuestión de tiempo.

Al analizarlo más a detalle, los algoritmos de Google también parecen tener una forma de seleccionar ciertos tipos de fotografías aéreas sobre otras, de manera que mientras más se toman, se seleccionan mejores. Para Google, las mejores fotografías son más planas, tienen menos sombras y están tomadas desde ángulos más altos. Debido a estos avances, estas extrañas imágenes se borran. Veo como parte de mi trabajo archivar estas tipologías digitales temporales. También bautizo a estas imágenes como postales para arrojarme como turista en el espacio temporal y virtual -un espacio que existe digitalmente por un momento, y tal vez nunca pueda ser reconstituido de nuevo por ninguna computadora.

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Contact sheet from Henri Cartier-Bresson in Seville, Spain, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos-->

Nada hace más evidente la temporalidad de estas imágenes que la simple observación de que las nubes están desapareciendo de Google Earth. Después de todo, las nubes ocultan la superficie del planeta, así que se prefiere fotos sin nubes. La Textura Universal y sus algoritmos de bases de datos asociadas son entrenados sobre algunos rasgos cualitativos básicos -sin nubes, alto contraste, profundidad, fotos diurnas. Los avances en la arquitectura nos ha dado el control total de los ambientes interiores: espacios de clima controlado con conexiones continuas por medio de escaleras mecánicas en centros comerciales, aeropuertos, hoteles y casinos. El progreso en la Textura Universal promete darnos un mundo fluido y siempre con luz diurna, sin nubes, cada vez más libre de anomalías discordantes, valores atípicos, e inconsistencias estadísticas.

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Contact sheet from Henri Cartier-Bresson in Seville, Spain, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos-->

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Contact sheet from Henri Cartier-Bresson in Seville, Spain, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos-->

 

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^{1. Quaranta, Domenico, “Collect the WWWorld. The Artist as Archivist in the Internet Age,” in Domenico Quaranta et al., Collect the WWWorld, exhibition catalogue, LINK Editions, September 2011.}

^{2. "WebGL Earth Documentation - 2 Real-time Texturing Methods," WebGL Earth Documentation - 2 Real-time Texturing Methods, N.p., n.d. Web. 30 July 2012.}

^{3. Jovanovic Weiss, Srdjan and Leong, Sze Tsung, “Escalator,” in Koolhaas et al., Harvard Design School guide to shopping, Köln, New York, Taschen, 2001.}

 

 

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!-- Parrafo de eric kim

Eric Kim, "Debunking the “Myth of the Decisive Moment”", Eric Kim Street Photography Blog , May 23, 2014

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Clement Valla, "La textura universal.", Rhizome, 2012.

Imágenes via Clement Valla.

Estos artistas (...) enfrentan a la base de datos, entendida como una estructura de poder deshumanizado, con la recopilación como una forma de memoria idiosincrática, no sistemática, y humana. Recogen lo que les interesa, lo que sienten que puede y debe ser incluido en un sistema de significados. Describen, critican y finalmente desafían la dinámica de la base de datos, obligándola a evolucionar.¹

Recopilo imágenes de Google Earth. Descubrí por accidente estas particularmente extrañas instantáneas, donde la ilusión de una representación perfecta y precisa de la superficie de la Tierra parece desmoronarse. Estaba Google Earth-eando cuando me di cuenta de que un número sorprendente de edificios parecían de cabeza. Podía distinguir que aquí estaban en conflicto dos referentes visuales -el modelo en 3D que formaba la superficie de la tierra y el mapa de fotografías aéreas: no coincidían. Los datos de profundidad en las fotografías aéreas, como sombras y luces, no se alineaban con las del modelo 3D.

Me había dado cuenta que los referentes visuales en conflicto provocaban algunas imágenes excepcionales, y empecé a encontrar más y a recopilarlas. Al principio pensé que eran fallas técnicas o errores en el algoritmo, pero al analizarlas me di cuenta de que la situación era en realidad más interesante: estas imágenes no son fallas técnicas. Son el resultado lógico absoluto del sistema. Son una condición limítrofe -una anomalía dentro del sistema, un no estándar, un caso atípico, incluso, pero no un error. Estos momentos discordantes exponen cómo funciona Google Earth y centran nuestra atención en el software. Son costuras que revelan un nuevo modelo de ver y de representar nuestro mundo como datos dinámicos, en incesante transformación, tomados desde una gran variedad de fuentes diversas combinados de manera infinita, actualizados constantemente, dando origen a una ilusión perfecta.

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Contact sheet from Henri Cartier-Bresson in Seville, Spain, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos-->

Imágenes en 3D como las de Google Earth, se generan a través de un proceso llamado mapeo de texturas. El mapeo de textura es una tecnología desarrollada por Ed Catmull en la década de 1970. En el modelado 3D, un mapa de textura es una imagen plana que cubre la superficie de un modelo 3D como una etiqueta a una lata o un refresco. Las texturas suelen representar una extensión plana con muy poca profundidad de campo, con la intención de simular las propiedades superficiales de un objeto. Las texturas son más como un escaneo que una fotografía. La superficie representada en una textura coincide con el plano superficial de la imagen, a diferencia de una fotografía que representa un espacio más allá. Esta diferencia podría resumirse de otra manera: vemos a través de una fotografía, nos fijamos en una textura. Esta es una distinción importante en el modelado en 3D, ya que las texturas se estiran a través de la superficie de un modelo 3D, en esencia, convirtiéndose en la piel del modelo.

Las texturas de Google Earth, sin embargo, no carecen de profundidad ni son planas. Son fotografías a través de las que miramos un espacio representado más allá -un espacio que nuestro cerebro interpreta como poseedor de tres dimensiones y profundidad. Vemos el espacio tridimensional en las fotografías aéreas debido a la luz y las sombras, y también porque hemos experimentado previamente ese espacio. Cuando estas fotografías se distorsionan y extienden por la topografía 3D de la Tierra, miramos tanto la imagen distorsionada del plano, como a través de esa misma imagen el espacio representado en la textura. En otras palabras, estamos ante dos espacios al mismo tiempo. La mayoría de las veces esta duplicación de espacios en Google Earth pasa inadvertida, pero a veces los dos espacios son tan diferentes que las cosas se ven extrañas, vertiginosas o por completo erróneas. Pero no están mal. Revelan el sistema de Google utilizado para asignar la tierra: la Textura Universal.

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Contact sheet from Henri Cartier-Bresson in Seville, Spain, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos-->

La Textura Universal es una patente de Google para mapeo de texturas sobre un modelo 3D de todo el mundo.² En esencia, la Textura Universal es sólo una forma óptima para generar un mapa de textura de la tierra. Como su nombre lo indica, la Textura Universal promete una navegación ininterrumpida de nuestro planeta, similar a un Dios (o un dron) -no una serie de mapas en mosaico, sino una experiencia fluida y dinámica. Esta experiencia es tan diferente, tanto más fluida que las tecnologías anteriores, que es un logro similar al de la escalera mecánica respecto a las compras:

Ningún invento ha tenido la importancia y la repercusión en las compras como las escaleras mecánicas. A diferencia del ascensor, limitado en cuanto al número de personas que puede transportar entre diferentes pisos y que por su propio mecanismo insiste en la división, la escalera mecánica acomoda y combina cualquier flujo, crea eficientemente transiciones fluidas entre un nivel y otro, e incluso desdibuja la distinción entre niveles separados y los espacios individuales.³

En el mundo de los medios digitales, esta continuidad fluída es análoga al efecto del desplazamiento infinito en Tumblr. En Google Earth, la Textura Universal proporciona un conocimiento uniforme, completo, y fácilmente accesible de la superficie del planeta. La Textura Universal es capaz de tomar un collage de fotos gigante compuesto por imágenes aéreas de todo tipo de fuentes diversas -diferentes empresas, gobiernos, institutos cartográficos- y asignarla a un modelo tridimensional integrado por fuentes igual de diversas. Combina estos datos dispares en un espacio continuo -como la escalera mecánica integra pisos en un centro comercial.

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Contact sheet from Henri Cartier-Bresson in Seville, Spain, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos-->

Nuestros procesos mecánicos para la creación de imágenes nos han habituado a pensar en términos de instantáneas -pequeños segmentos de tiempo y espacio (no importa cuanto se aproximen esos segmentos, seguimos contando fotogramas por segundo y proporción de imagen). Sin embargo, Google está pensando en la continuidad. Las imágenes producidas por Google Earth son muy diferentes a una fotografía que tiene una relación indicial de un espacio determinado en un momento dado. Más bien, son imágenes híbridas, un mosaico de datos fotográficos de dos dimensiones y datos topográficos tridimensionales obtenidos de una serie de fuentes, cuyos datos se extraen, son pre-procesados, mezclados y fusionados en tiempo real. Google Earth es esencialmente una base de datos disfrazado de representación fotográfica.

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Contact sheet from Henri Cartier-Bresson in Seville, Spain, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos-->

Es una representación automatizada, estadística, incesante y universal que elige de modo selectivo sus datos (por ejemplo, no hay "noche" en la versión Google de la Tierra). El sistema edita una representación particular del mundo. El software edita, re-ensambla, procesa y empaqueta la realidad con el fin de formar un modelo muy específico y útil. Estas imágenes recopiladas se sienten extrañas, porque son claramente una representación incorrecta de la superficie de la tierra. Y es precisamente porque los seres humanos no crearon directamente estas imágenes que son tan fascinantes. Son creados por un algoritmo que no encuentra nada malo en estos acontecimientos. Son menos una creación, que un hecho de algún tipo -una representación de las leyes de la Textura Universal. Como recopilación las anomalías son una peculiar historia natural del software Google Earth. Son extrañas nuevas tipologías, representativas de un proceso digital en particular. Típicamente, la ilusión que la Textura Universal provoca es, que el proceso en sí pase inadvertido, pero estas anomalías ofrecen una visión de la recopilación e integración de datos. Ponen en evidencia la diversidad de fuentes de datos. En estas anomalías comprendemos que hay insumos que compiten, fuentes de datos que compiten, y discrepancia en los datos. El mundo no es tan fluido después de todo.

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Contact sheet from Henri Cartier-Bresson in Seville, Spain, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos-->

Al hacer capturas de pantalla de estas imágenes en Google Earth, estoy pausándolas y las saco del ciclo de actualización. Capturo estas imágenes para archivarlas -para asegurar que se mantenga un registro de que esta imagen fue producida por la Textura Universal en un momento y lugar determinados. A medida que seguí buscando más anomalías, y volví a asomarme a las que ya había descubierto, me di cuenta que las imágenes que había descubierto iban desapareciendo. Las fotografías aéreas se estaban actualizando, se volvían 'más planas' -por haber sido tomadas en un ángulo menor o por tener las sombras debajo de los puentes disimuladas. Debido a que Google Earth actualiza sus algoritmos y datos tridimensionales de manera constante, cada momento específico sólo podía ser capturado como una imagen fija. Sé que Google está tratando de solucionar algunas de estas anomalías también -me ha contactado un ingeniero de Google que encontró una solución inteligente para el problema de la caída de carreteras y puentes. Aunque el cambio todavía no ha aparecido en el software, es sólo una cuestión de tiempo.

Al analizarlo más a detalle, los algoritmos de Google también parecen tener una forma de seleccionar ciertos tipos de fotografías aéreas sobre otras, de manera que mientras más se toman, se seleccionan mejores. Para Google, las mejores fotografías son más planas, tienen menos sombras y están tomadas desde ángulos más altos. Debido a estos avances, estas extrañas imágenes se borran. Veo como parte de mi trabajo archivar estas tipologías digitales temporales. También bautizo a estas imágenes como postales para arrojarme como turista en el espacio temporal y virtual -un espacio que existe digitalmente por un momento, y tal vez nunca pueda ser reconstituido de nuevo por ninguna computadora.

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Contact sheet from Henri Cartier-Bresson in Seville, Spain, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos-->

Nada hace más evidente la temporalidad de estas imágenes que la simple observación de que las nubes están desapareciendo de Google Earth. Después de todo, las nubes ocultan la superficie del planeta, así que se prefiere fotos sin nubes. La Textura Universal y sus algoritmos de bases de datos asociadas son entrenados sobre algunos rasgos cualitativos básicos -sin nubes, alto contraste, profundidad, fotos diurnas. Los avances en la arquitectura nos ha dado el control total de los ambientes interiores: espacios de clima controlado con conexiones continuas por medio de escaleras mecánicas en centros comerciales, aeropuertos, hoteles y casinos. El progreso en la Textura Universal promete darnos un mundo fluido y siempre con luz diurna, sin nubes, cada vez más libre de anomalías discordantes, valores atípicos, e inconsistencias estadísticas.

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Contact sheet from Henri Cartier-Bresson in Seville, Spain, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos-->

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Contact sheet from Henri Cartier-Bresson in Seville, Spain, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos-->

 

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^{1. Quaranta, Domenico, “Collect the WWWorld. The Artist as Archivist in the Internet Age,” in Domenico Quaranta et al., Collect the WWWorld, exhibition catalogue, LINK Editions, September 2011.}

^{2. "WebGL Earth Documentation - 2 Real-time Texturing Methods," WebGL Earth Documentation - 2 Real-time Texturing Methods, N.p., n.d. Web. 30 July 2012.}

^{3. Jovanovic Weiss, Srdjan and Leong, Sze Tsung, “Escalator,” in Koolhaas et al., Harvard Design School guide to shopping, Köln, New York, Taschen, 2001.}

 

 

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