Diego Goldberg
El 17 de junio, cada año, la familia pasa por un ritual privado:
nos fotografiamos para detener, por un momento evanescente, la flecha del tiempo que por allí pasa.
Diego Goldberg (Argentina, 1946). Vive y trabaja en Argentina. Fotógrafo. Participó en muestras colectivas e individuales. Obtuvo, entre otras distinciones, la Medalla de Oro 1998 de la Society of Publications Design y el Award of Merit 1998 del Art Directors Club of New York por The Arrow of Time, el segundo premio del World Press (Amsterdam, 1983) por Chile a 10 años del Golpe de Estado y el primer premio de la Prensa de Nueva York 1981 por Alphonse D’Amato, realizado para New York Times Magazinegroov, además del Premio de la FNPI (la Fundación de Gabriel García Márquez) de 2006 por el trabajo Persiguiendo un sueño. Puedes ponerte en contacto con Diego a través de su correo: Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo. y vistando su sitio web.
El 17 de junio, cada año, la familia pasa por un ritual privado:
nos fotografiamos para detener, por un momento evanescente, la flecha del tiempo que por allí pasa.
Diego Goldberg (Argentina, 1946). Vive y trabaja en Argentina. Fotógrafo. Participó en muestras colectivas e individuales. Obtuvo, entre otras distinciones, la Medalla de Oro 1998 de la Society of Publications Design y el Award of Merit 1998 del Art Directors Club of New York por The Arrow of Time, el segundo premio del World Press (Amsterdam, 1983) por Chile a 10 años del Golpe de Estado y el primer premio de la Prensa de Nueva York 1981 por Alphonse D’Amato, realizado para New York Times Magazinegroov, además del Premio de la FNPI (la Fundación de Gabriel García Márquez) de 2006 por el trabajo Persiguiendo un sueño. Puedes ponerte en contacto con Diego a través de su correo: Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo. y vistando su sitio web.
Ellie Ivanova
Como artista fotográfica, me interesa la relación tensa entre la fotografía y la memoria que crea una nueva realidad en el proceso gradual de desplazamiento y distorsión. Este proyecto explora la manera en que la memoria se apropia de la historia por medio de la fotografía y la manera en que cambia nuestras percepciones del pasado.
Documento las reconstrucciones de la Segunda Guerra Mundial en Texas. Esta guerra, que se ha convertido en parte del mito fundacional de los Estados Unidos contemporáneos, ha permanecido como una de las pocas fuentes no cuestionadas de identidad nacional, justicia y masculinidad al día de hoy. Sin embargo, aunque se considera “la guerra buena” que no necesita embellecerse en la conciencia pública; el pasado se reinterpreta y cambia constantemente a través del movimiento de reconstrucción. La fotografía desempeña un papel significativo en este proceso, ya que los participantes recrean fotografías históricas en su juego de rol y luego usan nuevas fotografías de ellos para presentar su personaje histórico inventado. Esta distorsión de recrear y personificar la historia luego se refleja en el proceso de baño de ácido mordançage a través de su degradación, toxicidad, impredecibilidad, corporalidad y resultado final surreal.
Como proceso, este proyecto va en contra de las propiedades del arte de la fotografía. Lo uso como una reacción ideológica a la atracción evasiva de la cultura digital. En vez de fijar el momento para siempre, borra la imagen y altera la emulsión. En lugar de copias interminables, produce imágenes únicas e irrepetibles. En vez de una captura óptica objetiva, es un objeto físico que muestra la mano del artista en su recreación táctil. Es tóxico, impredecible y se desplaza con el tiempo. Al igual que la memoria, refleja la batalla constante entre la preservación y lo efímero.
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Ellie Ivanova (Bulgaria). Tiene una maestría en bellas artes en fotografía de la Universidad de North Texas. Tiene una formación literaria y su interés fotográfico es la experiencia de la memoria y la autocreación de la identidad en formatos tradicionales y experimentales. Usa procesos y enfoques conceptuales a través de los cuales las imágenes continúan evolucionando después de haber sido capturadas e impresas, lo que desdibuja las fronteras entre lo fáctico y lo ficticio. Sus fotografías han sido exhibidas por todo Estados Unidos en galerías comerciales, sin fines de lucro y universitarias y son parte de las colecciones permanentes de Human Rights Art en South Texas College y en el Museo de Arte de Fort Wayne, entre otras.
Como artista fotográfica, me interesa la relación tensa entre la fotografía y la memoria que crea una nueva realidad en el proceso gradual de desplazamiento y distorsión. Este proyecto explora la manera en que la memoria se apropia de la historia por medio de la fotografía y la manera en que cambia nuestras percepciones del pasado.
Documento las reconstrucciones de la Segunda Guerra Mundial en Texas. Esta guerra, que se ha convertido en parte del mito fundacional de los Estados Unidos contemporáneos, ha permanecido como una de las pocas fuentes no cuestionadas de identidad nacional, justicia y masculinidad al día de hoy. Sin embargo, aunque se considera “la guerra buena” que no necesita embellecerse en la conciencia pública; el pasado se reinterpreta y cambia constantemente a través del movimiento de reconstrucción. La fotografía desempeña un papel significativo en este proceso, ya que los participantes recrean fotografías históricas en su juego de rol y luego usan nuevas fotografías de ellos para presentar su personaje histórico inventado. Esta distorsión de recrear y personificar la historia luego se refleja en el proceso de baño de ácido mordançage a través de su degradación, toxicidad, impredecibilidad, corporalidad y resultado final surreal.
Como proceso, este proyecto va en contra de las propiedades del arte de la fotografía. Lo uso como una reacción ideológica a la atracción evasiva de la cultura digital. En vez de fijar el momento para siempre, borra la imagen y altera la emulsión. En lugar de copias interminables, produce imágenes únicas e irrepetibles. En vez de una captura óptica objetiva, es un objeto físico que muestra la mano del artista en su recreación táctil. Es tóxico, impredecible y se desplaza con el tiempo. Al igual que la memoria, refleja la batalla constante entre la preservación y lo efímero.
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Ellie Ivanova (Bulgaria). Tiene una maestría en bellas artes en fotografía de la Universidad de North Texas. Tiene una formación literaria y su interés fotográfico es la experiencia de la memoria y la autocreación de la identidad en formatos tradicionales y experimentales. Usa procesos y enfoques conceptuales a través de los cuales las imágenes continúan evolucionando después de haber sido capturadas e impresas, lo que desdibuja las fronteras entre lo fáctico y lo ficticio. Sus fotografías han sido exhibidas por todo Estados Unidos en galerías comerciales, sin fines de lucro y universitarias y son parte de las colecciones permanentes de Human Rights Art en South Texas College y en el Museo de Arte de Fort Wayne, entre otras.
Kostya Smolyaninov
El proyecto Teografía de la calle fue creado durante 2006-2013 en varias ciudades de Ucrania, Polonia y Rusia. No es una sorpresa que gente ore en la iglesia, es por eso que me interesaban las manifestaciones de sentimientos religiosos en la vida cotidiana, en la calle. De ahí surgió la idea y el nombre del proyecto durante la investigación fotográfica. El conflicto entre la naturaleza íntima de la fe y la religiosidad pública, que a menudo es ostentosa, aparece fuertemente en la calle.
Kostya Smolyaninov (1971). Vive en Leópolis, Ucrania. Fotógrafo y curador. Exhibiciones individuales: “On Every Street”, Dzyga Flat 35 (Leópolis, Ucrania),2007; “Street Theography”, Fot-Art Gallery (Szczecin, Poland), 2008; “Generation”, Dzyga Gallery (Leópolis, Ucrania), 2008; “Street Theography”, Camera Gallery (Kiev, Ucrania), 2009; “Jazz Bez. Intro”, 5х5 (Leópolis, Ucrania) 2009; “2”, Art Palace (Leópolis, Ucrania), 2010; “Album”, BWA Gallery (Rzesów, Poland), 2011; “Universal Spaces”, Dzyga Gallery (Leópolis, Ucrania), 2012; "2" en Camera Gallery (Kiev, Ucrania), 2012.
El proyecto Teografía de la calle fue creado durante 2006-2013 en varias ciudades de Ucrania, Polonia y Rusia. No es una sorpresa que gente ore en la iglesia, es por eso que me interesaban las manifestaciones de sentimientos religiosos en la vida cotidiana, en la calle. De ahí surgió la idea y el nombre del proyecto durante la investigación fotográfica. El conflicto entre la naturaleza íntima de la fe y la religiosidad pública, que a menudo es ostentosa, aparece fuertemente en la calle.
Kostya Smolyaninov (1971). Vive en Leópolis, Ucrania. Fotógrafo y curador. Exhibiciones individuales: “On Every Street”, Dzyga Flat 35 (Leópolis, Ucrania),2007; “Street Theography”, Fot-Art Gallery (Szczecin, Poland), 2008; “Generation”, Dzyga Gallery (Leópolis, Ucrania), 2008; “Street Theography”, Camera Gallery (Kiev, Ucrania), 2009; “Jazz Bez. Intro”, 5х5 (Leópolis, Ucrania) 2009; “2”, Art Palace (Leópolis, Ucrania), 2010; “Album”, BWA Gallery (Rzesów, Poland), 2011; “Universal Spaces”, Dzyga Gallery (Leópolis, Ucrania), 2012; "2" en Camera Gallery (Kiev, Ucrania), 2012.
ZoneZero
Entrevista con Virgil Widrich sobre su proceso en cortometrajes. Febrero 2015
Virgil Widrich (Salzburgo, 1967), vive en Viena. Trabaja en numerosas producciones de multimedia y de cine. Su primer largometraje es Heller als der Mond (Más brillante que la Luna). Su cortometraje Copy Shop ganó 35 premios internacionales y fue nominado para el Oscar. Fast Film se estrenó en Cannes 2003 y ha ganado 36 premios. Ahora está trabajando en una nueva película, The Night of a Thousand Hours.Entrevista con Virgil Widrich sobre su proceso en cortometrajes. Febrero 2015
Virgil Widrich (Salzburgo, 1967), vive en Viena. Trabaja en numerosas producciones de multimedia y de cine. Su primer largometraje es Heller als der Mond (Más brillante que la Luna). Su cortometraje Copy Shop ganó 35 premios internacionales y fue nominado para el Oscar. Fast Film se estrenó en Cannes 2003 y ha ganado 36 premios. Ahora está trabajando en una nueva película, The Night of a Thousand Hours.
Alvaro Deprit
Había una fotografía en casa con la imagen de mi familia andaluza que despertaba mi curiosidad y me hacía quedarme mirándola durante horas. Con el paso del tiempo esta fotografía me ha dado la oportunidad de formarme una imagen sobre cómo podría ser Andalucía.
Al-Andalus es el resultado de aproximadamente tres años de investigación en el sur de España, una zona que no conocía y en la que nunca había vivido, pero que es el lugar de origen de mi familia y su residencia actual.
Mi interés inicial se centró en la tensión que se podía observar entre la tradición y las marcas de un mundo globalizado. Andalucía es el resultado de una compleja estratificación cultural, consecuencia del paso de civilizaciones que con el tiempo, dieron origen a una identidad híbrida que logró conservar las características estereotipadas de la cultura española.
Mi aventura por Andalucía en estos momentos en que ha sido duramente golpeada por la crisis económica me ha hecho reflexionar sobre el impacto que han tenido los diversos elementos en este lugar - una tierra que, según mi percepción, parece pender de una balanza, en un estado que raya entre la realidad y la ficción, como en el trasfondo de una película.
No ha sido mi intención reproducir los aspectos tangibles del lugar, sino dar forma a un cúmulo de recuerdos e impresiones que nacieron de mi historia personal, o de algo inconcluso. Las imágenes reflejan apariciones manifiestas cuya existencia es un misterio, mientras que por otro lado, el misterio es algo real en la mente a través del desarrollo y la repetida y variada transposición de los elementos que integran los recuerdos.
Álvaro Deprit (Madrid). Desde el 2004, ha vivido en Italia. Estudió Filología Alemana en la Universidad Complutense de Madrid y en la Universidad Friedrich Otto de Bamberg, Alemania. También estudió Sociología en la Universidad d'Annunzio en Chieti, Italia. La obra de Álvaro se ha exhibido en festivales y galerías de todo el mundo y ha sido publicada en revistas internacionales. Ganó el Premio PHotoEspaña OjodePez de Valores Humanos, el Premio Internacional de Fotografía del BJP y el Viewbook Photostory Contest, además de ser finalista en el Voies Off Arles, Leica Oskar Barnack Premio y Premio Sony.
Había una fotografía en casa con la imagen de mi familia andaluza que despertaba mi curiosidad y me hacía quedarme mirándola durante horas. Con el paso del tiempo esta fotografía me ha dado la oportunidad de formarme una imagen sobre cómo podría ser Andalucía.
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Mi interés inicial se centró en la tensión que se podía observar entre la tradición y las marcas de un mundo globalizado. Andalucía es el resultado de una compleja estratificación cultural, consecuencia del paso de civilizaciones que con el tiempo, dieron origen a una identidad híbrida que logró conservar las características estereotipadas de la cultura española.
Mi aventura por Andalucía en estos momentos en que ha sido duramente golpeada por la crisis económica me ha hecho reflexionar sobre el impacto que han tenido los diversos elementos en este lugar - una tierra que, según mi percepción, parece pender de una balanza, en un estado que raya entre la realidad y la ficción, como en el trasfondo de una película.
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Álvaro Deprit (Madrid). Desde el 2004, ha vivido en Italia. Estudió Filología Alemana en la Universidad Complutense de Madrid y en la Universidad Friedrich Otto de Bamberg, Alemania. También estudió Sociología en la Universidad d'Annunzio en Chieti, Italia. La obra de Álvaro se ha exhibido en festivales y galerías de todo el mundo y ha sido publicada en revistas internacionales. Ganó el Premio PHotoEspaña OjodePez de Valores Humanos, el Premio Internacional de Fotografía del BJP y el Viewbook Photostory Contest, además de ser finalista en el Voies Off Arles, Leica Oskar Barnack Premio y Premio Sony.
Kent Krugh
Esta obra - usando rayos X de acelerador lineal de cámaras - explora la micro-evolución de las cámaras con el tiempo. Si bien la forma y los materiales pueden haber cambiado, la cámara sigue siendo una cámara: una herramienta para crear imágenes mediante la captura de fotones de luz. En cierto sentido, es un homenaje a las cámaras que he usado y manejado. Un acelerador lineal produce partículas de alta energía y rayos X, y se utiliza en la física y en el sistema de salud para el tratamiento de pacientes con cáncer. Las imágenes resultantes se alinean con un deseo interno por investigar esos espacios y areas invisibles que siento que existen, pero que no observo con mis ojos.
Kent Krugh es un fotógrafo, que vive y trabaja en Greater Cincinnati, Ohio. Hace diez años, decidió de dedicarse a la fotografía. Impartió talleres en colaboración con la Colegiatura Colombiana del Diseño, la Fundación Universitaria de Bellas Artes y el Centro Colombo Americano, bajo el auspicio de la Universidad de Antioquia. Su trabajo ha sido expuesto en tres grandes festivales: Fringe Festival 2010, Cincinnati, Ohio; FotoFest Biennial 2012, Houston, Texas; y FotoFocus Biennial 2012, Cincinnati, Ohio. Ha recibido varios premios en competencias nacionales y internacionales, en 2012 y 2014 fue uno de los finalistas de Critical Mass, organizado por Photolucida. El trabajo de Krugh se puede encontrar en numerosas colecciones privadas y museos, como el Museo de Arte de Portland y el Museo de Arte de Cleveland.[core_state] => 1 [core_access] => 1 [core_metadata] => {"robots":"","author":"Kent Krugh","rights":"","xreference":""} [core_created_user_id] => 841 [core_created_by_alias] => [core_created_time] => 2015-02-10 21:22:20 [core_images] => {"image_intro":"images\/categories\/open-content\/krugh.jpg","float_intro":"","image_intro_alt":"","image_intro_caption":"","image_fulltext":"images\/categories\/open-content\/krugh.jpg","float_fulltext":"","image_fulltext_alt":"","image_fulltext_caption":""} [core_modified_time] => 2015-04-21 16:44:46 [core_language] => es-ES [core_catid] => 45 [core_publish_up] => 2015-02-10 21:22:20 [core_publish_down] => 0000-00-00 00:00:00 [content_type_title] => Article [router] => ContentHelperRoute::getArticleRoute [author] => [author_email] => [link] => index.php?option=com_content&view=article&id=249:nuevas-especies&catid=45&lang=es-ES [displayDate] => 2015-02-10 21:22:20 [event] => stdClass Object ( [afterDisplayTitle] => [beforeDisplayContent] => [afterDisplayContent] => ) [text] =>
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Kent Krugh es un fotógrafo, que vive y trabaja en Greater Cincinnati, Ohio. Hace diez años, decidió de dedicarse a la fotografía. Impartió talleres en colaboración con la Colegiatura Colombiana del Diseño, la Fundación Universitaria de Bellas Artes y el Centro Colombo Americano, bajo el auspicio de la Universidad de Antioquia. Su trabajo ha sido expuesto en tres grandes festivales: Fringe Festival 2010, Cincinnati, Ohio; FotoFest Biennial 2012, Houston, Texas; y FotoFocus Biennial 2012, Cincinnati, Ohio. Ha recibido varios premios en competencias nacionales y internacionales, en 2012 y 2014 fue uno de los finalistas de Critical Mass, organizado por Photolucida. El trabajo de Krugh se puede encontrar en numerosas colecciones privadas y museos, como el Museo de Arte de Portland y el Museo de Arte de Cleveland.[id] => 249 [language] => es-ES [catid] => 45 [jcfields] => Array ( ) ) 1
Rania Matar
Una Chica y su Habitación
A Girl and Her Room (Una Chica y su Habitación) es un proyecto que se inspiró en mi hija mayor, por aquel entonces, de 15 años, quien ya había dejado atrás esa época de desenfado sin preocupaciones. Se estaba convirtiendo en una joven mujer ante mis propios ojos. Después de fotografiarla con sus amigas, caí en cuenta de que quería capturar la imagen de cada una de ellas sola y en su propio contexto: su habitación. La habitación era una metáfora, una extensión de cada chica, pero la chica también parecía ser parte de ésta, parecía encajar como el resto de las cosas en el espacio material y emocional creado por ella misma.
Mientras que al principio me había centrado en chicas adolescentes estadounidenses, a la larga el proyecto creció con objeto de poder incluir a chicas del otro mundo que yo había conocido en mi juventud: El Medio Oriente. Fue así que este proyecto se convirtió en algo personal para mí. La belleza, sueños, vulnerabilidad y fortaleza de estas jóvenes mujeres, independientemente del lugar, de su contexto y religión, eran maravillosamente universales y profundamente conmovedores.
Mi convivencia con esas jóvenes mujeres en lo más íntimo de su mundo me dio una perspectiva única de sus vidas y de su fuero interno. Ellas estaban conscientes de que yo no emitía juicios sobre ellas y de ahí que se involucraran de forma activa en el proyecto. Su abertura y la generosidad que mostraron al permitirme convivir con ellas fue una distinción no sólo hacia mi persona, sino también hacia todos aquellos que podrán disfrutar de este trabajo.
Rania Matar (Líbano, 1964). Originalmente formada como arquitecta en la American University de Beirut y en la Cornell University, estudió fotografía en la New England School of Photography y la Maine Photographic Workshops. Su trabajo se centra en niñas y mujeres. Registra su vida a través de las vidas de aquellos a su alrededor, fijándose en lo personal y lo mundano, en un intento de retratar lo universal dentro de lo personal. Matar ha ganado varios premios, ha sido destacada en numerosas publicaciones, y su obra ha sido expuesta extensamente en los EE.UU. e internacionalmente. Visita su sitio web: raniamatar.com
Una Chica y su Habitación
A Girl and Her Room (Una Chica y su Habitación) es un proyecto que se inspiró en mi hija mayor, por aquel entonces, de 15 años, quien ya había dejado atrás esa época de desenfado sin preocupaciones. Se estaba convirtiendo en una joven mujer ante mis propios ojos. Después de fotografiarla con sus amigas, caí en cuenta de que quería capturar la imagen de cada una de ellas sola y en su propio contexto: su habitación. La habitación era una metáfora, una extensión de cada chica, pero la chica también parecía ser parte de ésta, parecía encajar como el resto de las cosas en el espacio material y emocional creado por ella misma.
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Mi convivencia con esas jóvenes mujeres en lo más íntimo de su mundo me dio una perspectiva única de sus vidas y de su fuero interno. Ellas estaban conscientes de que yo no emitía juicios sobre ellas y de ahí que se involucraran de forma activa en el proyecto. Su abertura y la generosidad que mostraron al permitirme convivir con ellas fue una distinción no sólo hacia mi persona, sino también hacia todos aquellos que podrán disfrutar de este trabajo.
Rania Matar (Líbano, 1964). Originalmente formada como arquitecta en la American University de Beirut y en la Cornell University, estudió fotografía en la New England School of Photography y la Maine Photographic Workshops. Su trabajo se centra en niñas y mujeres. Registra su vida a través de las vidas de aquellos a su alrededor, fijándose en lo personal y lo mundano, en un intento de retratar lo universal dentro de lo personal. Matar ha ganado varios premios, ha sido destacada en numerosas publicaciones, y su obra ha sido expuesta extensamente en los EE.UU. e internacionalmente. Visita su sitio web: raniamatar.com
Victor Enrich
En el 2013 Enrich realizo NHDK, una serie de 88 imágenes - una para cada tecla del piano clásico - que explora las diversas posibilidades formales del NH Deutscher Kaiser Hotel en Munich, Alemania.
Me pareció hermoso para conectar dos disciplinas artísticas distintas, tales como la fotografía y la gráfica digital con el piano. —Victor Enrich.
Victor Enrich (España, 1976). Artista catalán y amante de la naturaleza, literatura y arquitectura. Desde su infancia se ha concentrado, a través de varias técnicas, a crear imágenes de escenarios ficticios, vinculando siempre a las ciudades y a la arquitectura. Enrich se dedica en la actualidad exclusivamente al desarrollo de su arte, que está inseparablemente asociada a su otra gran pasión: viajar. Su trabajo es altamente valorado en el extranjero, triunfando en países como Israel, donde ha hecho varias exposiciones.En el 2013 Enrich realizo NHDK, una serie de 88 imágenes - una para cada tecla del piano clásico - que explora las diversas posibilidades formales del NH Deutscher Kaiser Hotel en Munich, Alemania.
Me pareció hermoso para conectar dos disciplinas artísticas distintas, tales como la fotografía y la gráfica digital con el piano. —Victor Enrich.
Victor Enrich (España, 1976). Artista catalán y amante de la naturaleza, literatura y arquitectura. Desde su infancia se ha concentrado, a través de varias técnicas, a crear imágenes de escenarios ficticios, vinculando siempre a las ciudades y a la arquitectura. Enrich se dedica en la actualidad exclusivamente al desarrollo de su arte, que está inseparablemente asociada a su otra gran pasión: viajar. Su trabajo es altamente valorado en el extranjero, triunfando en países como Israel, donde ha hecho varias exposiciones.
Natan Dvir
Próximamente
En los últimos años, una red caleidoscópica de espectaculares publicitarios ha envuelto las áreas comerciales de Nueva York. El mercado comercial (branding) del paisaje urbano se ha vuelto tan ubicuo, que la colorida y monumental publicidad que domina las estrechas calles parece pasar prácticamente desapercibida para el transeúnte. Espectaculares gigantes tienen el efecto de dominar el paisaje urbano y perderse en el fondo simultáneamente. Siempre en un punto periférico, estos comerciales transforman a la gente que se mueve por los espacios en espectadores pasivos. El alcance es democrático y obligatorio —la publicidad al aire libre no se puede apagar y es capaz de llegar a un público diverso, cuyos movimientos por la ciudad coinciden momentáneamente.
La eficacia de los espectaculares al aire libre se yuxtapone con su impermanencia; la mayoría son sustituidos después unas semanas. Su carácter efímero, su tamaño masivo y sus colores saturados de la publicidad crean una fluida experiencia cinematográfica para el espectador. La gente que habita en los espacios bajo ellos son jalados, sin saberlo, hacia un escenario artificial donde la realidad de la calle se mezcla con la fantasia comercial de los anuncios. Próximamente (Coming Soon) es una exploración de nuestra relación visual con el mercado comercial de los centros urbanos y del ambiente comercial en el que vivimos.
Natan Dvir (Nahariya, 1972). Vive en Nueva York y trabaja en todo el mundo. Recibió una maestría en Administración de Empresas de la Universidad de Tel Aviv y una maestría en Fotografía de la Escuela de Artes Visuales, NY, tras lo cual se convirtió en un miembro de la facultad del Centro Internacional de Fotografía (ICP). Como fotógrafo él enfoca en los aspectos humanos de asuntos políticos, sociales y culturales. Su trabajo ha sido expuesto en todo el mundo en exhibiciones individuales y grupales y ha sido publicado en las principales revistas internationales.[core_state] => 1 [core_access] => 1 [core_metadata] => {"robots":"","author":"Natan Dvir","rights":"","xreference":""} [core_created_user_id] => 841 [core_created_by_alias] => [core_created_time] => 2014-09-23 20:34:10 [core_images] => {"image_intro":"images\/categories\/open-content\/comingsoon.jpg","float_intro":"","image_intro_alt":"","image_intro_caption":"","image_fulltext":"images\/categories\/open-content\/comingsoon.jpg","float_fulltext":"","image_fulltext_alt":"","image_fulltext_caption":""} [core_modified_time] => 2015-04-21 16:42:14 [core_language] => es-ES [core_catid] => 45 [core_publish_up] => 2014-09-23 20:34:08 [core_publish_down] => 0000-00-00 00:00:00 [content_type_title] => Article [router] => ContentHelperRoute::getArticleRoute [author] => [author_email] => [link] => index.php?option=com_content&view=article&id=198:proximamente&catid=45&lang=es-ES [displayDate] => 2014-09-23 20:34:08 [event] => stdClass Object ( [afterDisplayTitle] => [beforeDisplayContent] => [afterDisplayContent] => ) [text] =>
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Natan Dvir (Nahariya, 1972). Vive en Nueva York y trabaja en todo el mundo. Recibió una maestría en Administración de Empresas de la Universidad de Tel Aviv y una maestría en Fotografía de la Escuela de Artes Visuales, NY, tras lo cual se convirtió en un miembro de la facultad del Centro Internacional de Fotografía (ICP). Como fotógrafo él enfoca en los aspectos humanos de asuntos políticos, sociales y culturales. Su trabajo ha sido expuesto en todo el mundo en exhibiciones individuales y grupales y ha sido publicado en las principales revistas internationales.[id] => 198 [language] => es-ES [catid] => 45 [jcfields] => Array ( ) ) 1
Dina Litovsky
El yermo vacío del desierto carece de sentimiento. No hay poesía en la superficie consumida, ni melancolía provocada por ráfagas de fina arena. En una playa o en un bosque, en una verde pradera o en la maravilla arquitectónica de alguna ciudad, uno se siente pasmado por la belleza del entorno, el liricismo de las asociaciones y los recuerdos. Pero en el repentino vacío de una tormenta de arena blanca en el desierto, únicamente hay soledad.
Mientras el sol es ocultado por el polvo y el horizonte se desdibuja, el primer momento ansioso de abandono se transforma en un sentimiento de libertad desmesurada. En este silencio vasto, desorientado, uno es dejado completamente a la inmediatez de la experiencia.
Es raro encontrar un espacio exento del ruido externo de la sobre estimulación. Pero es necesario para poder escuchar mejor el propio interior. El aislamiento de la tormenta de arena blanca trae consigo introspección y restaura los sentidos. La esterilidad del desierto se torna en oasis.
Dina Litovsky (Ucrania, 1980). La obra de Dina Litovsky examina representaciones sociales e interacciones grupales, tanto en espacios públicos como privados. Dina nació en Ucrania y se mudó a Nueva York en 1991. Después de obtener su licenciatura en psicología de la Universidad de Nueva York, empezó con la fotografía y consiguió un posgrado en fotografía en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, en 2010
El yermo vacío del desierto carece de sentimiento. No hay poesía en la superficie consumida, ni melancolía provocada por ráfagas de fina arena. En una playa o en un bosque, en una verde pradera o en la maravilla arquitectónica de alguna ciudad, uno se siente pasmado por la belleza del entorno, el liricismo de las asociaciones y los recuerdos. Pero en el repentino vacío de una tormenta de arena blanca en el desierto, únicamente hay soledad.
Mientras el sol es ocultado por el polvo y el horizonte se desdibuja, el primer momento ansioso de abandono se transforma en un sentimiento de libertad desmesurada. En este silencio vasto, desorientado, uno es dejado completamente a la inmediatez de la experiencia.
Es raro encontrar un espacio exento del ruido externo de la sobre estimulación. Pero es necesario para poder escuchar mejor el propio interior. El aislamiento de la tormenta de arena blanca trae consigo introspección y restaura los sentidos. La esterilidad del desierto se torna en oasis.
Dina Litovsky (Ucrania, 1980). La obra de Dina Litovsky examina representaciones sociales e interacciones grupales, tanto en espacios públicos como privados. Dina nació en Ucrania y se mudó a Nueva York en 1991. Después de obtener su licenciatura en psicología de la Universidad de Nueva York, empezó con la fotografía y consiguió un posgrado en fotografía en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, en 2010
Eric Kim
Eric Kim, "Debunking the “Myth of the Decisive Moment”", Eric Kim - Blog de Fotografía de calle, mayo 23, 2014
Hoja de contacto de Henri Cartier-Bresson en Sevilla, España, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos
Cuando comencé con la fotografía de calle (street photography), creía en el "mito del momento decisivo". ¿A qué me refiero con eso?
Bien, cuando escuché por primera vez sobre "El momento decisivo" de Henri Cartier Bresson, supuse que él sólo tomaba una imagen en cada escena. Imaginaba a Henri Cartier Bresson de un lado a otro de la calle, apuntando con cuidado su Leica y haciendo una sola toma para crear piezas maestras. Pensé que era un semidiós –un fotógrafo que de algún modo poseía esta magia tras sus lentes.
Sin embargo, si miramos sus hojas de contacto, es una historia distinta. Él (y casi todos los grandes fotógrafos) nunca hacen una sola toma de una escena con potencial. Entre las hoja de contacto de Henri Cartier Bresson puedes ver que casi todas sus grandes imágenes le exigieron "trabajar la escena" –tomar múltiples fotos de la misma desde distintos ángulos, momentos y perspectivas. Se esforzó por conseguir las tomas que quería –e invertiría bastante tiempo con sus hojas de contacto para decidir cuáles fotos eran sus "mejores".
Detalle de las hojas de contacto de Sevilla, por Henri Cartier-Bresson:
Un error que muchos fotógrafos de calle principiantes cometen es sólo tomar una foto por escena. Pienso que esto se debe a que también creen en el "mito del momento decisivo" y en parte porque temen ser descubiertos tomando fotos.
La importancia de estudiar las hojas de contacto
Henri Cartier-Bresson revisa sus hojas de contacto en la oficina de Nueva York de Magnum. 1959. © Rene Burri / Magnum Photos
He escrito sobre las hojas de contacto en muchas ocasiones previas. Para quienes no están familiarizados con lo que es una hoja de contactos, en resumen es una hoja de papel donde están impresas todas las imágenes que un fotógrafo tomó con un rollo de película. Y con esta hoja, un fotógrafo puede revisar con lupa y editar sus imágenes favoritas. Esto se hacía en la época del cuarto obscuro, antes de que existieran opciones digitales.
Ahora tenemos "Lightroom" en el cual podemos identificar digitalmente todas nuestras fotos de una escena. En vez de tener que mirar a pequeñas miniaturas, podemos ver nuestras "casi" fotos a resolución completa.
Las hojas de contacto son las mejores herramientas de aprendizaje de un fotógrafo. Puedes aprender de las hojas de contacto de otros fotógrafos, y también de las propias.
Henri Cartier-Bresson. Valencia, ESPAÑA, 1933. Observa las dos versiones de la foto que estaba considerando. Ésta era la mejor.
Henri Cartier-Bresson. Valencia, ESPAÑA, 1933. Ésta no era tan fuerte como la anterior.
Analizar las hojas de contacto de los maestros que nos precedieron es lo más cerca que tenemos a leer su mente. Podemos ver como "trabajaban la escena" –y cómo tomaban fotos desde distintas perspectivas, decidían cuando apretar el obturador y cuántas fotos tomar. Algunos fotógrafos logran atrapar sus imágenes en sólo 5 o 6 tomas, mientras que otros se terminan un rollo completo de 36 imágenes en una escena.
Date cuenta que todos ellos hacían sus tomas en película, cuando cada imagen tenía un costo. Ahora que la mayoría tomamos fotos digitales, no hay excusa para no "trabajar la escena" y tomar muchas imágenes distintas de la misma escena.
Para aprender más sobre las hojas de contacto, puedes revisar mi artículo: “10 cosas que los fotógrafos de calle pueden aprender de las hojas de contacto de Magnum” and also pick up a copy of “Hojas de contacto de Magnum” en Amazon. Serán los 100 dólares mejor invertidos en tu educación fotográfica.
Cómo "trabajar la escena"
Y bien, hablamos de la importancia de "trabajar la escena" –y que tan importante es hacer muchas tomas de la misma escena (no sólo una). Pero, ¿qué significa "trabajar la escena"?
Algunos puntos a tomar en cuenta:
1. No tomes sólo una foto
Hoja de contacto de Elliott Erwitt, “Bulldogs”, New York, 2000. © Elliott Erwitt / Magnum Photos
De nuevo, es muy tentador sólo tomar una foto cuando ves una buena escena. Cuando comencé con la fotografía de calle, me moría del miedo de ofender a las personas o que me "atraparan" fotografiando a desconocidos.
Sin embargo, date cuenta que para hacer una gran foto, necesitas trabajar la escena. Nunca sabrás cuando el "mejor" momento decisivo ocurrirá. En una escena, suceden muchos "momentos decisivos" con gran potencial. Sólo sabrás cuál es el mejor "momento decisivo" después, durante la etapa de edición.
“Bulldogs”, New York, 2000. © Elliott Erwitt / Magnum Photos
Incluso Henri Cartier Bresson alguna vez dijo: “A veces debes ordeñar mucho a la vaca para obtener un poco de queso.”
2. No le hagas al chango
Alain Capeilleres, 1976. © Martine Franck / Magnum Photos.
Otro consejo práctico para "trabajar la escena" mejor es no "hacerle al chango". ¿Qué significa esto? Se refiere a la práctica de revisar la pantalla LCD después de tomar una imagen. ¿Por qué le llaman "hacerle al chango"? Parece ser que los fotógrafos de película se burlaban de los digitales diciendo que parecían un montón de changos cuando se juntaban alrededor de sus pantallas LCD para mostrarse las imagenes que recién habían tomado.
Foto de Martine Franck, región Provence-Alpes-Côte d’Azur. Pueblo de Le Brusc. Alberca diseñada por Alain Capeilleres, 1976. © Martine Franck / Magnum Photos
¿Pero por qué está mal "hacerle al chango"? He escrito un artículo de por qué los fotógrafos de calle no deberían hacerlo pero, para resumir, hacerle al chango rompe tu ritmo cuando estás tomando fotos en la calle. En vez de ver tu pantalla varias veces mientras trabajas la escena para revisar la exposición, encuadre y lo que capturaste, es mejor seguir tomando muchas fotos desde distintos ángulos y momentos y escoger las mejores después.
3. Toma tu tiempo
Hoja de contacto de Richard Kalvar, “Piazza Della Rotonda”. Rome, Italy, 1980. © Richard Kalvar / Magnum Photos
“Tomar tu tiempo” es una de las cosas más complicadas de "trabajar la escena". Tomar tu tiempo es quedarte aún "cuando ya no eres bienvenido". Generalmente es una grosería tomar tu tiempo. Es como andar de vago –te quedas en un lugar más de lo que deberías y la gente empieza a mirarte.
Una de las preguntas más frecuentes que hacen en mis talleres es: "¿cuánto tiempo debería tomarme para "trabajar la escena" antes de saber que es momento de irme o ya hice la toma?"
Ese es el mayor problema. Nunca tenemos idea cuándo "hicimos la toma" o ya estuvimos "el tiempo suficiente".
En lo personal, mi filosofía es la de ser el visitante que se queda aún cuando ya no es bienvenido. ¿Alguna vez un amigo te ha pedido quedarse por una semana y terminó quedándose meses? Conviértete en ese tipo.
“Piazza Della Rotonda”. Roma, Italia, 1980. © Richard Kalvar / Magnum Photos
La razón por la que predico el "quédate aún cuando ya no seas bienvenido" es por qué es mejor tomar tu tiempo durante un largo rato, pues muchas veces tu mejor toma será la última. Al mirar muchas hojas de contacto, en especial esta imagen de Richard Kalvar, puedes ver que su mejor imagen está al final (en el cuadro 37, por suerte). Si no se hubiera tomado su tiempo y trabajado la escena, nunca habría logrado esta imagen icónica.
Con mayor razón en la fotografía de calle, sólo verás una escena con gran potencial una vez en la vida. Podrás encontrar otras similares, pero nunca justo la misma con justo esas mismas personas, con ese fondo, esa luz y esa distribución.
Así que no vivas arrepentido, quédate más tiempo del que deberías y excédete en tomas de cada escena.
Una técnica que aprendí de mi amigo Charlie Kirk es que si ves una escena con mucho potencial, quédate por ahí y espera un poco más antes de empezar a tomar fotos. Por ejemplo, si ves a un tipo interesante fumando, quédate cerca y espera a que fume, luego lánzate a tomar unas cuantas fotos mientras inhala su cigarro.
Lingering is quite painful to do. It is awkward, makes you feel uncomfortable, and might make your subject feel uncomfortable.
Un modo de superar la incomodidad de tomarse tanto tiempo y "trabajar la escena" es hacer como que estoy tomando algo detrás de ellos y evitar el contacto visual.. Como fotografío con lente 35mm no tengo que apuntar mi cámara directo a mi sujeto para sacarlo en cuadro.
Otra técnica es sonreír e interactuar con mi sujeto mientras les tomo fotos. Por ejemplo, si veo una buena escena, puedo empezar por hacer unas tomas como casuales y entonces, si mi sujeto hace contacto visual, correspondo el contacto visual, sonrío, sigo tomando fotos e incluso comienzo a conversar (ey, te ves bien).
4. Mira los gestos
Hoja de contacto del Che. © Rene Burri / Magnum Photos
Cuando estés "trabajando la escena" no sólo pongas tu cámara en ráfaga y comiences a tomar sin sentido. En vez de eso, ten muy claro cuándo decides apretar el obturador.
Che Guevara. © Rene Burri / Magnum Photos
Por lo general, decido apretar el obturador cuando veo gesto con las manos. Pueden ser los de alguien cubriéndose el rostro, poniendo las manos a los lados o apuntando en alguna dirección.
Otro gran consejo es esperar el contacto visual. Haz la prueba de tomar fotos sin contacto visual y otras con contacto visual. Nunca sabes cuales fotos serán mejores, pero hay un dicho: "los ojos son las ventanas del alma" –que en el caso de la fotografía de calle puede hacerlas más íntimas y emotivas.
5. Mantén tus pies en movimiento
Si has visto a un boxeador, rara vez sus pies permanecen quietos. Lo más importante como boxeador es nunca poner tus talones sobre el piso. En el momento que te detienes, te vuelves un blanco fácil –y serás un objetivo listo para ser noqueado por su oponente.
Adopta esa misma mentalidad como fotógrafo de calle. Cuando trabajes la escena, no te quedes plantado en el piso. Mantén tus pies en movimiento. Toma fotos desde la izquierda, derecha, un paso al frente, un paso atrás. Agáchate. Intenta diversos ángulos y perspectivas.
6. Toma fotos horizontales y verticales
Contac sheet, VJ Day. Photo by Alfred Eisenstaedt
También mientras trabajas la escena, intenta experimentar ambos formatos, horizontal y vertical. Al calor del momento, cuando encuentras una gran escena callejera, muchas veces es difícil decidir cuál es el mejor formato.
Si tienes tiempo, prueba ambos formatos, dependiendo del tipo de imagen que desees crear.
7. Ten calma y sé paciente
Jean Gaumy, Iran, 1986.
Cuando trabajas una escena, recuerda mantener la calma y paciencia. En situaciones así, es común acelerarse y tratar de lograr "la toma". Sin embargo, ten calma y sé paciente mientras haces tomas –analiza cuando apretar el obturador, que tan cerca debes estar de tu sujeto para hacer un buen encuadre y mantén la atención en elementos del fondo que te puedan distraer.
Jean Gaumy, Iran, 1986.
Cuando uno, como principiante, empieza a trabajar la escena, es común tener un golpe de adrenalina demasiado intenso para permanecer calmado y ser paciente. Pero ten en cuenta que con la práctica podrás mantenerte más calmado y ser más paciente –lo cual te ayudará a tomar decisiones más racionales mientras fotografías, y eso te ayudará al final a hacer mejores imágenes.
8. Pon atención en el fondo
Hoja de contacto de Martin Parr para “The Last Resort“
Cuando estamos fotografiando en las calles, es usual que pongamos demasiada atención en el sujeto y no suficiente en el fondo.
Mi consejo es que, una vez que tienes claro quién es tu sujeto principal (o sujetos), enfoques tu mirada sobre el fondo. Procura obtener un fondo limpio que no distraiga –y añada algo a la escena.
The Last Resort, Foto por Martin Parr
Evita sacar cabezas, postes, árboles o carros en tus fondos de manera azarosa. Cuando trabajas la escena, camina hasta obtener un fondo más limpio. Los fondos descuidados son los peores enemigos de fotografías de calle con gran potencial.
Conclusión
Hoja de contacto de Martin Parr, España, 1997.
Para incrementar tus oportunidades de obtener "buenas imágenes" de fotografía de calle, practica "trabajar la escena" y tomar más tiempo del necesario. No mantengas tus pies quietos, siempre muévete, pero al mismo tiempo sé paciente.
Foto de Martin Parr del libro “Common Sense”. España, 1997
También debes saber que trabajar la escena más de lo necesario será raro e incómodo, pero con tiempo, paciencia, práctica y una sonrisa, superarás esto.
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INFORMACIÓN LEGAL: TODAS LAS FOTOGRAFÍAS SE PRESENTAN SIN INTENCIÓN DE LUCRO Y CON FINES DE CRÍTICA Y/O INVESTIGACIÓN CIENTÍFICA, LITERARIA Y/O ARTÍSTICA BAJO LO PREVISTO EN LA LEGISLACIÓN VIGENTE POR CONDUCTO DE LOS TRATADOS INTERNACIONALES EN MATERIA DE DERECHOS DE AUTOR.
Eric Kim (USA). Vive y trabaja en Berkeley, C.A. Fotógrafo. Su principal interés es la fotografía de calle a la que dedica su labor artística y educativa. Sociólogo graduado en UCLA. Imparte talleres en distintas partes del mundo como Canadá, Holanda, Vietman, Japón, Australia y muchas otras. Colaborador de algunos proyectos de Leica y Samsung. Su trabajo ha sido expuesto en Los Ángeles y en las tiendas de Leica en Singapur, Seúl y Melbourne. Su trabajo se puede consultar en: erickimphotography.comEric Kim, "Debunking the “Myth of the Decisive Moment”", Eric Kim - Blog de Fotografía de calle, mayo 23, 2014
Hoja de contacto de Henri Cartier-Bresson en Sevilla, España, 1933. © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos
Cuando comencé con la fotografía de calle (street photography), creía en el "mito del momento decisivo". ¿A qué me refiero con eso?
Bien, cuando escuché por primera vez sobre "El momento decisivo" de Henri Cartier Bresson, supuse que él sólo tomaba una imagen en cada escena. Imaginaba a Henri Cartier Bresson de un lado a otro de la calle, apuntando con cuidado su Leica y haciendo una sola toma para crear piezas maestras. Pensé que era un semidiós –un fotógrafo que de algún modo poseía esta magia tras sus lentes.
Sin embargo, si miramos sus hojas de contacto, es una historia distinta. Él (y casi todos los grandes fotógrafos) nunca hacen una sola toma de una escena con potencial. Entre las hoja de contacto de Henri Cartier Bresson puedes ver que casi todas sus grandes imágenes le exigieron "trabajar la escena" –tomar múltiples fotos de la misma desde distintos ángulos, momentos y perspectivas. Se esforzó por conseguir las tomas que quería –e invertiría bastante tiempo con sus hojas de contacto para decidir cuáles fotos eran sus "mejores".
Detalle de las hojas de contacto de Sevilla, por Henri Cartier-Bresson:
Un error que muchos fotógrafos de calle principiantes cometen es sólo tomar una foto por escena. Pienso que esto se debe a que también creen en el "mito del momento decisivo" y en parte porque temen ser descubiertos tomando fotos.
La importancia de estudiar las hojas de contacto
Henri Cartier-Bresson revisa sus hojas de contacto en la oficina de Nueva York de Magnum. 1959. © Rene Burri / Magnum Photos
He escrito sobre las hojas de contacto en muchas ocasiones previas. Para quienes no están familiarizados con lo que es una hoja de contactos, en resumen es una hoja de papel donde están impresas todas las imágenes que un fotógrafo tomó con un rollo de película. Y con esta hoja, un fotógrafo puede revisar con lupa y editar sus imágenes favoritas. Esto se hacía en la época del cuarto obscuro, antes de que existieran opciones digitales.
Ahora tenemos "Lightroom" en el cual podemos identificar digitalmente todas nuestras fotos de una escena. En vez de tener que mirar a pequeñas miniaturas, podemos ver nuestras "casi" fotos a resolución completa.
Las hojas de contacto son las mejores herramientas de aprendizaje de un fotógrafo. Puedes aprender de las hojas de contacto de otros fotógrafos, y también de las propias.
Henri Cartier-Bresson. Valencia, ESPAÑA, 1933. Observa las dos versiones de la foto que estaba considerando. Ésta era la mejor.
Henri Cartier-Bresson. Valencia, ESPAÑA, 1933. Ésta no era tan fuerte como la anterior.
Analizar las hojas de contacto de los maestros que nos precedieron es lo más cerca que tenemos a leer su mente. Podemos ver como "trabajaban la escena" –y cómo tomaban fotos desde distintas perspectivas, decidían cuando apretar el obturador y cuántas fotos tomar. Algunos fotógrafos logran atrapar sus imágenes en sólo 5 o 6 tomas, mientras que otros se terminan un rollo completo de 36 imágenes en una escena.
Date cuenta que todos ellos hacían sus tomas en película, cuando cada imagen tenía un costo. Ahora que la mayoría tomamos fotos digitales, no hay excusa para no "trabajar la escena" y tomar muchas imágenes distintas de la misma escena.
Para aprender más sobre las hojas de contacto, puedes revisar mi artículo: “10 cosas que los fotógrafos de calle pueden aprender de las hojas de contacto de Magnum” and also pick up a copy of “Hojas de contacto de Magnum” en Amazon. Serán los 100 dólares mejor invertidos en tu educación fotográfica.
Cómo "trabajar la escena"
Y bien, hablamos de la importancia de "trabajar la escena" –y que tan importante es hacer muchas tomas de la misma escena (no sólo una). Pero, ¿qué significa "trabajar la escena"?
Algunos puntos a tomar en cuenta:
1. No tomes sólo una foto
Hoja de contacto de Elliott Erwitt, “Bulldogs”, New York, 2000. © Elliott Erwitt / Magnum Photos
De nuevo, es muy tentador sólo tomar una foto cuando ves una buena escena. Cuando comencé con la fotografía de calle, me moría del miedo de ofender a las personas o que me "atraparan" fotografiando a desconocidos.
Sin embargo, date cuenta que para hacer una gran foto, necesitas trabajar la escena. Nunca sabrás cuando el "mejor" momento decisivo ocurrirá. En una escena, suceden muchos "momentos decisivos" con gran potencial. Sólo sabrás cuál es el mejor "momento decisivo" después, durante la etapa de edición.
“Bulldogs”, New York, 2000. © Elliott Erwitt / Magnum Photos
Incluso Henri Cartier Bresson alguna vez dijo: “A veces debes ordeñar mucho a la vaca para obtener un poco de queso.”
2. No le hagas al chango
Alain Capeilleres, 1976. © Martine Franck / Magnum Photos.
Otro consejo práctico para "trabajar la escena" mejor es no "hacerle al chango". ¿Qué significa esto? Se refiere a la práctica de revisar la pantalla LCD después de tomar una imagen. ¿Por qué le llaman "hacerle al chango"? Parece ser que los fotógrafos de película se burlaban de los digitales diciendo que parecían un montón de changos cuando se juntaban alrededor de sus pantallas LCD para mostrarse las imagenes que recién habían tomado.
Foto de Martine Franck, región Provence-Alpes-Côte d’Azur. Pueblo de Le Brusc. Alberca diseñada por Alain Capeilleres, 1976. © Martine Franck / Magnum Photos
¿Pero por qué está mal "hacerle al chango"? He escrito un artículo de por qué los fotógrafos de calle no deberían hacerlo pero, para resumir, hacerle al chango rompe tu ritmo cuando estás tomando fotos en la calle. En vez de ver tu pantalla varias veces mientras trabajas la escena para revisar la exposición, encuadre y lo que capturaste, es mejor seguir tomando muchas fotos desde distintos ángulos y momentos y escoger las mejores después.
3. Toma tu tiempo
Hoja de contacto de Richard Kalvar, “Piazza Della Rotonda”. Rome, Italy, 1980. © Richard Kalvar / Magnum Photos
“Tomar tu tiempo” es una de las cosas más complicadas de "trabajar la escena". Tomar tu tiempo es quedarte aún "cuando ya no eres bienvenido". Generalmente es una grosería tomar tu tiempo. Es como andar de vago –te quedas en un lugar más de lo que deberías y la gente empieza a mirarte.
Una de las preguntas más frecuentes que hacen en mis talleres es: "¿cuánto tiempo debería tomarme para "trabajar la escena" antes de saber que es momento de irme o ya hice la toma?"
Ese es el mayor problema. Nunca tenemos idea cuándo "hicimos la toma" o ya estuvimos "el tiempo suficiente".
En lo personal, mi filosofía es la de ser el visitante que se queda aún cuando ya no es bienvenido. ¿Alguna vez un amigo te ha pedido quedarse por una semana y terminó quedándose meses? Conviértete en ese tipo.
“Piazza Della Rotonda”. Roma, Italia, 1980. © Richard Kalvar / Magnum Photos
La razón por la que predico el "quédate aún cuando ya no seas bienvenido" es por qué es mejor tomar tu tiempo durante un largo rato, pues muchas veces tu mejor toma será la última. Al mirar muchas hojas de contacto, en especial esta imagen de Richard Kalvar, puedes ver que su mejor imagen está al final (en el cuadro 37, por suerte). Si no se hubiera tomado su tiempo y trabajado la escena, nunca habría logrado esta imagen icónica.
Con mayor razón en la fotografía de calle, sólo verás una escena con gran potencial una vez en la vida. Podrás encontrar otras similares, pero nunca justo la misma con justo esas mismas personas, con ese fondo, esa luz y esa distribución.
Así que no vivas arrepentido, quédate más tiempo del que deberías y excédete en tomas de cada escena.
Una técnica que aprendí de mi amigo Charlie Kirk es que si ves una escena con mucho potencial, quédate por ahí y espera un poco más antes de empezar a tomar fotos. Por ejemplo, si ves a un tipo interesante fumando, quédate cerca y espera a que fume, luego lánzate a tomar unas cuantas fotos mientras inhala su cigarro.
Lingering is quite painful to do. It is awkward, makes you feel uncomfortable, and might make your subject feel uncomfortable.
Un modo de superar la incomodidad de tomarse tanto tiempo y "trabajar la escena" es hacer como que estoy tomando algo detrás de ellos y evitar el contacto visual.. Como fotografío con lente 35mm no tengo que apuntar mi cámara directo a mi sujeto para sacarlo en cuadro.
Otra técnica es sonreír e interactuar con mi sujeto mientras les tomo fotos. Por ejemplo, si veo una buena escena, puedo empezar por hacer unas tomas como casuales y entonces, si mi sujeto hace contacto visual, correspondo el contacto visual, sonrío, sigo tomando fotos e incluso comienzo a conversar (ey, te ves bien).
4. Mira los gestos
Hoja de contacto del Che. © Rene Burri / Magnum Photos
Cuando estés "trabajando la escena" no sólo pongas tu cámara en ráfaga y comiences a tomar sin sentido. En vez de eso, ten muy claro cuándo decides apretar el obturador.
Che Guevara. © Rene Burri / Magnum Photos
Por lo general, decido apretar el obturador cuando veo gesto con las manos. Pueden ser los de alguien cubriéndose el rostro, poniendo las manos a los lados o apuntando en alguna dirección.
Otro gran consejo es esperar el contacto visual. Haz la prueba de tomar fotos sin contacto visual y otras con contacto visual. Nunca sabes cuales fotos serán mejores, pero hay un dicho: "los ojos son las ventanas del alma" –que en el caso de la fotografía de calle puede hacerlas más íntimas y emotivas.
5. Mantén tus pies en movimiento
Si has visto a un boxeador, rara vez sus pies permanecen quietos. Lo más importante como boxeador es nunca poner tus talones sobre el piso. En el momento que te detienes, te vuelves un blanco fácil –y serás un objetivo listo para ser noqueado por su oponente.
Adopta esa misma mentalidad como fotógrafo de calle. Cuando trabajes la escena, no te quedes plantado en el piso. Mantén tus pies en movimiento. Toma fotos desde la izquierda, derecha, un paso al frente, un paso atrás. Agáchate. Intenta diversos ángulos y perspectivas.
6. Toma fotos horizontales y verticales
Contac sheet, VJ Day. Photo by Alfred Eisenstaedt
También mientras trabajas la escena, intenta experimentar ambos formatos, horizontal y vertical. Al calor del momento, cuando encuentras una gran escena callejera, muchas veces es difícil decidir cuál es el mejor formato.
Si tienes tiempo, prueba ambos formatos, dependiendo del tipo de imagen que desees crear.
7. Ten calma y sé paciente
Jean Gaumy, Iran, 1986.
Cuando trabajas una escena, recuerda mantener la calma y paciencia. En situaciones así, es común acelerarse y tratar de lograr "la toma". Sin embargo, ten calma y sé paciente mientras haces tomas –analiza cuando apretar el obturador, que tan cerca debes estar de tu sujeto para hacer un buen encuadre y mantén la atención en elementos del fondo que te puedan distraer.
Jean Gaumy, Iran, 1986.
Cuando uno, como principiante, empieza a trabajar la escena, es común tener un golpe de adrenalina demasiado intenso para permanecer calmado y ser paciente. Pero ten en cuenta que con la práctica podrás mantenerte más calmado y ser más paciente –lo cual te ayudará a tomar decisiones más racionales mientras fotografías, y eso te ayudará al final a hacer mejores imágenes.
8. Pon atención en el fondo
Hoja de contacto de Martin Parr para “The Last Resort“
Cuando estamos fotografiando en las calles, es usual que pongamos demasiada atención en el sujeto y no suficiente en el fondo.
Mi consejo es que, una vez que tienes claro quién es tu sujeto principal (o sujetos), enfoques tu mirada sobre el fondo. Procura obtener un fondo limpio que no distraiga –y añada algo a la escena.
The Last Resort, Foto por Martin Parr
Evita sacar cabezas, postes, árboles o carros en tus fondos de manera azarosa. Cuando trabajas la escena, camina hasta obtener un fondo más limpio. Los fondos descuidados son los peores enemigos de fotografías de calle con gran potencial.
Conclusión
Hoja de contacto de Martin Parr, España, 1997.
Para incrementar tus oportunidades de obtener "buenas imágenes" de fotografía de calle, practica "trabajar la escena" y tomar más tiempo del necesario. No mantengas tus pies quietos, siempre muévete, pero al mismo tiempo sé paciente.
Foto de Martin Parr del libro “Common Sense”. España, 1997
También debes saber que trabajar la escena más de lo necesario será raro e incómodo, pero con tiempo, paciencia, práctica y una sonrisa, superarás esto.
__
INFORMACIÓN LEGAL: TODAS LAS FOTOGRAFÍAS SE PRESENTAN SIN INTENCIÓN DE LUCRO Y CON FINES DE CRÍTICA Y/O INVESTIGACIÓN CIENTÍFICA, LITERARIA Y/O ARTÍSTICA BAJO LO PREVISTO EN LA LEGISLACIÓN VIGENTE POR CONDUCTO DE LOS TRATADOS INTERNACIONALES EN MATERIA DE DERECHOS DE AUTOR.
Eric Kim (USA). Vive y trabaja en Berkeley, C.A. Fotógrafo. Su principal interés es la fotografía de calle a la que dedica su labor artística y educativa. Sociólogo graduado en UCLA. Imparte talleres en distintas partes del mundo como Canadá, Holanda, Vietman, Japón, Australia y muchas otras. Colaborador de algunos proyectos de Leica y Samsung. Su trabajo ha sido expuesto en Los Ángeles y en las tiendas de Leica en Singapur, Seúl y Melbourne. Su trabajo se puede consultar en: erickimphotography.com
